„ Me-You-Nous ”, autrement dit, créons un terrain d’entente, sera le thème de cette 11e édition dont le commissariat a été confié à l’experte des tendances Lisa White. Le design en créant des ambiances, des milieux, des expériences, crée aussi des connexions aux choses, mais surtout des connexions entre les gens. Comment peut-il faciliter les échanges en proposant de nouvelles connexions, de nouveaux espaces et même de nouveaux objets ? Un des objectifs de cette biennale est de présenter un ensemble cohérent d’objets, d’expressions artistiques, de systèmes et points de vue qui changent notre monde.

Pour sa première exposition personnelle en France, Lauren Huret se penche sur unaspect particulièrement invisible d’Internet : l’effacement d’images qui, paradoxalement, laisse des traces.

Deux femmes, un point commun : l’utilisation de végétaux dans leurs créations artistiques. Vren Attinger utilise dans ses tableaux des végétaux travaillés et intégrés à différents papiers en privilégiant le côté graphique. Caroline Soldevila, bijoutière, transforme les végétaux en argent. Une fleur devient un bijou, un bouquet devient une sculpture.

Cette exposition s’attaque à un des problèmes les plus pressants du 21e siècle : l’avenir de la nutrition humaine. Allons-nous pouvoir continuer à manger de la viande, cultiverons-nous des légumes en vase clos ou nous régalerons-nous de protéines d’algues et de vers de farine ? De nos jours, il est urgent de repenser nos méthodes de production, de conditionnement, de distribution, de consommation… De nouveaux modèles de pensée et de comportement font leur chemin. Des designers de tous pays travaillent à l’élaboration de meilleures pratiques et imaginent des projets illustrant les nombreux scénarios possibles.

L’oeuvre de l’artiste néerlandaise Pieke Bergmans est le mariage étonnant d’une lampe en cristal et d’une chaise. Toujours en quête de nouvelles formes et de détournements, la designer parle de ses créations en évoquant la présence d’un « virus » qui modifierait « l’histoire du design et ses caractéristiques ».

Dans sa volonté de mettre en lumière l’oeuvre pionnière des femmes photographes au cours du 20e siècle, l’Élysée présente une importante rétrospective consacrée à Martine Franck (1938-2012). Cette exposition, unique par son ampleur, est constituée de près de 140 photographies, dont certaines inédites, en grande partie sélectionnées par la photographe de son vivant.

Né en 1985, le photographe autodidacte français appartient à une génération qui aime brouiller les lignes entre fiction et réalité. Cette série est inspirée par le Râmâyana, oeuvre fondamentale de la mythologie hindoue. Les sept chapitres exposés offrent aux visiteurs une déambulation à la fois temporelle et géographique, tout en leur faisant découvrir des techniques photographiques peu répandues.

Bien que considéré comme l’un des architectes et designers les plus influents du 20e siècle, Gio Ponti reste peu connu du grand public, en particulier hors de l’Italie.  La première rétrospective en France consacrée au créateur permet de revenir aux sources de la modernité, sur les traces d’un passé qui se révèle très contemporain malgré son ancrage historique. Et qui confirme le statut de Gio Ponti en tant que pionnier de la culture moderne ayant ouvert les perspectives d’un nouvel art de vivre.

L’exposition tente de corriger l’image négative de la densification, souvent perçue comme une forme de développement urbain démesuré, synonyme de ville surchargée. Elle nous montre ce que la densification signifie réellement, à savoir une exploitation raisonnée des terrains constructibles où il ne s’agit pas de construire systématiquement en hauteur, mais avant tout de manière compacte. Pour illustrer ce propos, 25 bureaux d’architecture ont été invités à présenter des projets dont la densité crée une valeur ajoutée.

Inspirée par le titre d’un des rares textes de Daniëls, l’exposition rassemble des toiles historiques et plusieurs oeuvres inédites. Elle explore le phénomène du déjà-vu, la relation entre perception et mémoire, qui est au coeur de sa pratique et retrace le développement du langage visuel de l’artiste. Deux autres expositions se tiennent en parallèle, une consacrée à l’oeuvre peint de Marcia Hafif et l’autre au MOMAS, un musée sans murs et sans collection, créé par Martin Kippenberger sur l’île de Syros, en Grèce.

À l’occasion du 100e anniversaire du Bauhaus, le Vitra Design Museum consacre la toute première exposition à l’entrepreneur et designer Anton Lorenz. Celui-ci a été l’un des premiers à réaliser le potentiel des tubes en acier. Son utilisation habile de brevets et la création de nouvelles sociétés ont fait de lui un acteur clé de l’expansion de l’industrie moderne du meuble en acier tubulaire.

Les six artistes présentées – Viviane Sassen, Sophie Bouvier Ausländer, SMITH, Laura Letinsky, Lili Erzinger et Sandrine Pelletier – interrogent le monde et ses représentations à travers un prisme qui intègre la question du genre.

L’exposition a pour objectif de retracer le parcours et le processus créatif de parfumeurs au sein d’une industrie complexe et très exigeante. Elle cherchera à faire connaître au public des aspects souvent confidentiels de cette forme de création qui nous touche tous.

L’exposition présente quatre artistes internationaux dont le langage visuel traite de formes de représentation surréalistes et oniriques, à travers des oeuvres dont la caractéristique est d’explorer des significations cachées.

Premier volet d’une série d’expositions sur les jeunes scènes artistiques à travers le monde, « Les Métamorphoses » célèbre une nouvelle génération de créateurs incarnant le visage de l’Europe d’aujourd’hui et de demain. Elle réunit 21 artistes, issus de 16 pays, s’exprimant à travers la peinture, la sculpture, la mode, le design ou le film.

Pour marquer le 50e anniversaire du premier pas de l’homme sur la Lune, cette exposition retrace l’histoire du regard posé par les artistes sur notre satellite, du romantisme à nos jours. Elle comprend une dizaine de chapitres qui abordent des thèmes comme la topographie lunaire, le clair de lune, l’ombre lunaire, les maladies lunatiques, le vol parabolique et les dispositifs médiatiques.

Nombreux sont ceux qui connaissent Pierre Keller comme artiste et ancien directeur de l’ECAL, mais peu connaissent son passé d’enseignant, d’éditeur et de collectionneur. Cette facette confidentielle est dévoilée pour la première fois, au travers d’oeuvres réunies au cours des cinquante dernières années. L’exposition met en lumière une constellation d’intérêts. La musique avec le Montreux Jazz Festival et la Dolce Vita. L’architecture avec Marcello Morandini, Mario Botta, Alberto Sartoris, Bernard Tschumi. Le design avec les frères Campana et Bouroullec ou Pierre Charpin.

L’exposition « Uniques. Cahiers écrits, dessinés, inimprimés » organisée en partenariat avec le MAMCO Genève rassemble des cahiers et des carnets d’artistes, d’écrivains, de philosophes qui n’ont jamais été imprimés tels quels et qui sont suffisamment travaillés, écrits, dessinés et peints, voire composés, pour constituer des oeuvres à part entière et à exemplaires uniques. Le principe qui guide cette réunion de manuscrits est plastique et non chronologique : ce sont des parentés graphiques, des consonances visuelles qui légitiment des rapprochements entre les carnets.

Il fut une époque où sur la table des foyers allemands l’abstraction géométrique côtoyait les traditionnels sujets à fleurs. Le musée présente des céramiques issues d’une collection privée, constituée principalement dans les brocantes de la région genevoise. Ornées de motifs généralement peints à l’aérographe, ces pièces illustrent une production utilitaire, reflétant pourtant une expression artistique tout à fait novatrice.

La première rétrospective hors d’Asie consacrée à l’ensemble des travaux de Balkrishna Doshi. Architecte et urbaniste de renom, il a été en 2018 le premier Indien à recevoir le prestigieux Prix Pritzker et est l’un des rares pionniers de l’architecture moderne de son pays.

Cette exposition met en lumière les interconnexions entre une source d’énergie ancienne et des matériaux communs, mais étonnants. Elle raconte leur histoire et explore le potentiel du charbon appliqué à la création, à travers les travaux actuels des designers Philipp Weber et Lapatsch/Unger.

L’oeuvre de cet acteur majeur de la scène architecturale française est illustrée à travers une sélection de ses principaux projets et réalisations.