Gae Aulenti a été l’une des rares femmes italiennes à s’être fait un nom dans l’architecture et le design des années d’après-guerre. Certaines de ses œuvres, comme la série emblématique Locus Solus (1964) ou la lampe Pipistrello (1965), réalisées pour l’intérieur du showroom Olivetti à Paris, ont joué un rôle important dans l’avènement du design italien. En tant qu’architecte, elle acquiert une renommée internationale dans les années 1980, avec notamment la transformation de la gare d’Orsay en musée.
L’exposition « Stormy Weather » montre des réalisations artistiques qui sondent le champ de tension entre des infrastructures apparemment évanescentes (le cloud) et leurs retombées concrètes sur la réalité du monde.
Autour d’une pièce majeure de Richard Long de 9 mètres de diamètre, Wood Fire Circle, cette exposition se déploie en huit sections thématiques qui présentent les enjeux d’un art singulier, d’une rencontre entre matière et lumière. Elle donne un aperçu de deux cents ans de création en privilégiant les œuvres qui maintiennent un rapport à la figuration, à la nature ou à l’objet. Elle questionne l’utilisation des matériaux, les gestes mis en œuvre, les limites de la sculpture et sa redéfinition permanente.
En Suisse, un monde de la mode vivant et indépendant s’épanouit en parallèle de la célèbre industrie textile. L’exposition en présente un portrait sur le vif.
Richard Prince est l’un des précurseurs de l’art dit « appropriation art ». En (re)photographiant des images publicitaires, ou en recyclant des éléments de la culture populaire comme les westerns, les bandes dessinées ou la « pulp fiction », il questionne les fondements de la mythologie américaine, sa construction et la hiérarchie entre l’art populaire et celui dit « classique ».
Tout autour de la planète, les musées captivent leur public au moyen de scénographies luxueuses et d’installations grand format. L’exposition propose un tour d’horizon actuel qui interroge cette tendance. Des installations innovantes, des environnements numériques et bornes interactives créés par des designers du monde entier offrent un espace d’expériences hétéroclites, qui demande à être exploré par tous les sens.
L’exposition revient sur des corpus peu montrés depuis leur entrée dans les collections ou, au contraire, sur des œuvres marquantes de l’expérience du musée.
L’exposition aborde les avantages et les défis du « vert » urbain – en particulier la végétalisation des maisons et des toits des bâtiments existants et nouveaux. Elle se concentre également sur les opportunités techniques et les problèmes pratiques. Des bâtiments écologiques réussis de Düsseldorf à Milan et Singapour sont exposés aux côtés de systèmes éprouvés et des dernières innovations en matière d’architecture «verte».
L’exposition regroupe des œuvres sculpturales de grande échelle issues des collections du Kunstmuseum de Saint-Gall. À partir des problèmes auxquels nous sommes confrontés en raison de la pandémie, elle interroge ses effets sur la cohésion sociale. Un parcours où les œuvres deviennent des scènes acoustiques animées et des espaces de vie pour les citoyens imaginaires d’une ville qui n’existe pas, mais qui cependant le pourrait. Un projet réalisé en partenariat avec le Théâtre de Saint-Gall.
L’exposition propose de découvrir l’architecture et différents projets d’infrastructure de São Paulo, des années 1950 jusqu’à nos jours. Elle met particulièrement l’accent sur les interactions entre l’architecture et la cité : comment ces bâtiments, avec leurs fonctions publiques, permettent-ils de générer des espaces de rencontre qui soient sûrs et inclusifs ? Cette exposition, conçue par le Musée d’architecture de l’Université technique de Munich, a été augmentée et adaptée par le S AM en coopération avec l’Institut d’architecture de la FHNW.
L’exposition embarque le visiteur dans un parcours thématique qui évoque la ville future, au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, puis le quotidien. Les intérieurs se peuplent d’objets facilitant la vie de tous les jours. Ils sont produits en masse par la société consumériste des Trente Glorieuses. Le design s’empare des innovations techniques. Il analyse l’évolution des besoins et des attitudes, pour répondre aux désirs d’une société en mutation. L’exposition rapproche ainsi le design de notre quotidien et décortique le contexte de l’avènement de cette discipline.
L’exposition présente des installations à la taille d’une pièce que la designer utilise pour explorer l’impact de la couleur et la façon dont elle est perçue.
Plus de trente ans après la réunification allemande, l’exposition explore le design allemand des deux côtés du rideau de fer. Tout en donnant un aperçu des différentes philosophies du design en République démocratique allemande et en République fédérale d’Allemagne, il révèle également les nombreux parallèles et interrelations qui reliaient le design de l’Est à celui de l’Ouest durant la division nationale.
Composée d’œuvres issues de la Fondation Gandur pour l’Art, rarement présentées au public suisse, l’exposition propose un parcours original à travers la production bouillonnante des années 1950 à 1980, provenant des deux côtés de l’Atlantique. Centrée sur les formes plurielles que prend l’abstraction au cours de cette période, elle en montre les principales tendances. Une visite virtuelle est proposée sur le site internet du musée à tous ceux qui souhaitent découvrir ou redécouvrir l’exposition depuis chez eux.
Pause estivale du 27 juin au 7 septembre
L’exposition célèbre le quarantième anniversaire de la fondation du groupe à travers ses nombreuses créations.
Notre agenda culturel pour les passionnés d’images avec une sélection d’expositions autour de l’architecture, du design, de l’Art contemporain, du graphisme et de la photo. En bref, les expositions à voir et les sorties à faire en Suisse romande (Genève, Lausanne, Fribourg, Neuchâtel…), un peu plus loin et même à l’international.
