Dépourvus de présence humaine, isolés, les sujets sont peints hors de leur contexte, comme des “natures mortes”, totems de l’impermanence de toute chose. Le travail de Sébastien Mettraux, artiste romand formé à l’Ecal et à la Head, questionne notre relation à la vie, à la mort et au temps qui passe, notamment dans sa dernière série « Vanités » illustrant des “memento mori” modernes. Imprégnée de culture du numérique unie à un langage visuel fort,  l’iconographie et le vocabulaire de l’artiste fascinent. Les séries « Ex Machina » et  « Vanités » sont exposées à la galerie Gowen Contemporary.

Depuis plus de soixante ans, Gene Beery interroge avec humour et dérision le moment de l’expérience esthétique. Quels sont les enjeux d’une rencontre entre un regardeur et l’oeuvre ? Que promet la surface de la toile à celui qui la regarde ? Beery se positionne par des peintures à lire dont les phrases annoncent la venue, l’impossibilité ou l’absurdité d’une telle expérience.

Le temps d’un week-end, 180 participants issus de structures indépendantes locales et européennes présentent leur travail lors de la Biennale Interstellaire des espaces d’art de Genève. Pour l’édition 2019, la manifestation se dote d’une autre dynamique. Une nouvelle équipe de coordination composée des artistes et curateurs Louise Bailat, Benoît Beurret, Rémi Dufay, Ulysse Prévost, Kevin Ramseier et Emma Souharce a été désignée pour proposer un projet. Le concept artistique fait référence à la notion d’espace dans sa globalité puisque cette 3e édition se veut interstellaire et questionne la manière de cohabiter dans un même espace, tout en disposant de ressources limitées.

Pour marquer le 50e anniversaire du premier pas de l’homme sur la Lune, cette exposition retrace l’histoire du regard posé par les artistes sur notre satellite, du romantisme à nos jours. Elle comprend une dizaine de chapitres qui abordent des thèmes comme la topographie lunaire, le clair de lune, l’ombre lunaire, les maladies lunatiques, le vol parabolique et les dispositifs médiatiques.

Fruit d’une collaboration inédite lors du Festival Images Vevey, cette série de films inspirés des classiques du cinéma muet burlesque livre une vision mordante des travers de la société contemporaine. Les deux artistes transforment la salle de spectacle du CCS en de mystérieuses catacombes peuplées d’extravagantes créatures.

Jusqu’au 14 juillet

Comment se faufiler entre les vertigineuses strates historiques et culturelles que forment les traces laissées par l’humanité pendant ces derniers milliers d’années ? Comment, par l’art, raviver des objets et symboles oubliés et les faire résonner avec le présent ? Des questions au coeur de la série de dessins, tableaux et installations multimédia que présente l’artiste bâloise pour sa première exposition personnelle en France.

Jusqu’au 31 juillet, Vitra présente TWENTYTHIRTYFIVE, une installation conceptuelle où le créateur américain aux multiples talents, Virgil Abloh, imagine la biographie résidentielle d’un adolescent fictif. À travers deux sections, Past/Present et Tomorrow, il met l’accent sur l’interaction entre l’homme et son environnement familial lorsque celui-ci passe de l’adolescence à la vie adulte. Il y analyse la façon dont l’évolution de la technologie et les changements de la société affectent nos foyers et l’influence de notre environnement sur nos parcours de vie. Deux créations de Prouvé réinterprétées par Abloh seront lancées en série limitée durant l’exposition.

L’entreprise fondée en Suisse est considérée comme une pionnière du mariage entre savoir-faire artisanal, innovation industrielle et design. L’exposition se met dans les pas de la production de chaussures, de la culture d’entreprise patronale du 19e siècle à l’univers professionnel interconnecté d’aujourd’hui. Un parcours qui s’articule autour de modèles originaux jamais encore présentés au public, de dessins de mode et de machines provenant des archives de Bally.

Nombreux sont ceux qui connaissent Pierre Keller comme artiste et ancien directeur de l’ECAL, mais peu connaissent son passé d’enseignant, d’éditeur et de collectionneur. Cette facette confidentielle est dévoilée pour la première fois, au travers d’oeuvres réunies au cours des cinquante dernières années. L’exposition met en lumière une constellation d’intérêts. La musique avec le Montreux Jazz Festival et la Dolce Vita. L’architecture avec Marcello Morandini, Mario Botta, Alberto Sartoris, Bernard Tschumi. Le design avec les frères Campana et Bouroullec ou Pierre Charpin.

La sixième édition de la triennale 50 Jours pour la photographie du Centre de la photographie Genève se propose de réunir Eros et Cosmos à travers un programme d’expositions déployé dans une trentaine de lieux. OSMOS COSMOS, l’exposition principale présentée au CPG, tentera de mettre en évidence le trait d’union entre l’érotique et le cosmique à travers un choix d’oeuvres photographiques et vidéographiques contemporaines ainsi que diverses sources iconographiques.

Première exposition personnelle de l’artiste islandais Hreinn Friðfinnsson dans une institution suisse. L’oeuvre de Friðfinnsson est saluée à la fois pour son lyrisme et sa poésie austère, qui transcendent les sujets et les matériaux souvent communs utilisés pour créer ses pièces.

L’exposition « Uniques. Cahiers écrits, dessinés, inimprimés » organisée en partenariat avec le MAMCO Genève rassemble des cahiers et des carnets d’artistes, d’écrivains, de philosophes qui n’ont jamais été imprimés tels quels et qui sont suffisamment travaillés, écrits, dessinés et peints, voire composés, pour constituer des oeuvres à part entière et à exemplaires uniques. Le principe qui guide cette réunion de manuscrits est plastique et non chronologique : ce sont des parentés graphiques, des consonances visuelles qui légitiment des rapprochements entre les carnets.

Fondé en 1868, l’atelier de Jongh est le plus important studio de photographie lausannois et vaudois. Conservé au Musée de l’Élysée, ce fonds se compose de plus de 10 000 tirages, près de 300 000 négatifs ainsi que des carnets de commandes, brevets, correspondances, etc. En phase de restauration et de numérisation depuis l’été 2018, cet imposant corpus comprend des milliers d’images d’architecture prises à Lausanne et dans la canton de Vaud.

Ce projet du photographe suisse, réalisé entre 2015 et 2018, marque une nouvelle évolution de l’intérêt que porte l’artiste à la création de diagnostics photographiques de la contemporanéité, en rapport avec des phénomènes naturels, technologiques et sociaux ainsi que leur impact sur notre état d’esprit actuel et celui du monde en général. Son oeuvre s’inspire de notions et de méthodes empruntées à la géologie, comme celles de sédimentation et de stratification. Elle engendre des métaphores tenant du paradoxe ou de la dystopie, à l’instar de situations qui parviennent à combiner des phénomènes aux temporalités différentes, téléportant ainsi l’observateur de l’instant présent vers notre passé préhistorique.

L’exposition présente une sélection de designs simples, fonctionnels et optimistes qui font la signature du studio BIG-GAME.

La première rétrospective hors d’Asie consacrée à l’ensemble des travaux de Balkrishna Doshi. Architecte et urbaniste de renom, il a été en 2018 le premier Indien à recevoir le prestigieux Prix Pritzker et est l’un des rares pionniers de l’architecture moderne de son pays.

Les photogrammes et sculptures de Beshty explorent la nature de la production et de la consommation de l’art contemporain, ne se préoccupant que de la manière dont l’art est créé et de ce qui est évident dans l’oeuvre elle-même.

Il fut une époque où sur la table des foyers allemands l’abstraction géométrique côtoyait les traditionnels sujets à fleurs. Le musée présente des céramiques issues d’une collection privée, constituée principalement dans les brocantes de la région genevoise. Ornées de motifs généralement peints à l’aérographe, ces pièces illustrent une production utilitaire, reflétant pourtant une expression artistique tout à fait novatrice.

Cette exposition met en lumière les interconnexions entre une source d’énergie ancienne et des matériaux communs, mais étonnants. Elle raconte leur histoire et explore le potentiel du charbon appliqué à la création, à travers les travaux actuels des designers Philipp Weber et Lapatsch/Unger.

Le Signe, centre national français du graphisme organise la 2e édition de la Biennale internationale de design graphique, du 23 mai au 22 septembre à Chaumont (Haute-Marne). Le thème de ce nouvel opus se déploie à travers une exposition qui traite des logiques de transformation de la discipline et montre comment elle s’émancipe de la forme imprimée pour affirmer son attachement à la pluralité des supports, notamment technologiques. De nombreuses autres manifestations sont au programme de la biennale dont un concours international d’affiches.

C’est en 1970 que Lucien Clergue, photographe, Jean-Maurice Rouquette, conservateur, et Michel Tournier, écrivain, lancent à Arles Les Rencontres photographiques lors d’un festival municipal. Depuis, amateurs, jeunes talents et photographes de renom s’y donnent rendez-vous chaque année, faisant de la cité camarguaise la capitale internationale de la photographie. Cinquante années d’aventure photographique qui seront cet été célébrées en 50 expositions.

Le Musée Tinguely et le Centre Pompidou-Metz font résonner cet été deux expositions consacrées à Rebecca Horn, « Fantasmagories corporelles » à Bâle et « Théâtre des métamorphoses » à Metz. Les processus de transformation entre corps augmentés et machines animées, qui traversent l’œuvre de Rebecca Horn depuis presque cinq décennies, constituent le cœur de l’exposition du Musée Tinguely. Des œuvres performatives y jouxtent des sculptures-machines plus tardives pour illustrer le déploiement des motifs du mouvement dans le travail de l’artiste.

Un projet inédit du duo d’artistes It’s Our Playground rassemblant des œuvres et installations nouvelles qui explorent les contacts affectifs et les apprentissages réciproques entre les personnes et les machines à différentes étapes de la vie.

Que ce soit à Bâle, Berne, Zurich ou Genève, les villes redécouvrent depuis plusieurs décennies les ressources naturelles, ouvertes au grand public, qui sommeillent dans leurs cours d’eau. Ainsi, fleuves et rivières se transforment en espaces de loisirs pleinement intégrés au quotidien des citadins. Et c’est avec un certain étonnement que le monde entier assiste aux baignades populaires dans le Rhin, l’Aar, la Limmat ou le Rhône.

À travers les créations mobilières des plus grands noms de l’architecture de ces soixante dernières années, l’exposition propose de découvrir comment les architectes s’inscrivent dans les arts décoratifs, par le design de meubles, objets et luminaires. Elle dresse un panorama critique de tous les « mobiles » qui conduisent l’architecte au mobilier, qu’il soit héritier de la tradition ou chercheur, designer occasionnel, professionnel du design, voire éditeur, ou tout simplement passionné de design.

L’architecte japonais Junya Ishigami, célèbre pour ses structures expérimentales interprétant les conventions architecturales traditionnelles et reflétant les phénomènes naturels, a été sélectionné pour concevoir le Pavillon Serpentine 2019.

La Cité internationale de la tapisserie s’associe avec la Fondation Toms Pauli de Lausanne pour proposer une exposition internationale consacrée aux débuts des Biennales de Lausanne dans les années 1960, et le « séisme » qu’elles provoquent dans l’art de la tapisserie et son histoire mondiale.

À l’heure où notre monde vit des modifications climatiques dont nous ne mesurons pas encore l’impact, le MBAL s’intéresse au genre du paysage, et en particulier aux représentations de la montagne.

Depuis leur création au début du 20e siècle, les bandes dessinées sont devenues une partie intégrante de la culture visuelle globale. L’exposition présente des bandes dessinées connues et moins connues qui ont marqué l’histoire du design, ainsi que des objets présentés ou influencés par la bande dessinée. Elle montre la relation étroite qui existe entre les deux arts. Les éléments de design ou les intérieurs, reflétant parfois la personnalité de certains personnages, peuvent être sujets à une ironie acerbe ou être utilisés pour créer des visions futuristes, souvent associés à des problèmes politiques et sociaux.

L’oeuvre de cet acteur majeur de la scène architecturale française est illustrée à travers une sélection de ses principaux projets et réalisations.