Riche d’une centaine de pièces majeures issues de la collection design du Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Étienne, l’exposition met en lumière l’interdit qui frappe l’ornement dans la production artistique au 20e siècle (1910-1970). Considéré comme inutile, bourgeois et primitif, l’ornement est, pour les tenants de la modernité, « une survivance du passé », un archaïsme barbare qu’il faut éradiquer. Pourtant, l’interdit fondateur de la chose ornée est vite contourné par les modernistes et leurs épigones !
Les Musées d’archéologie et d’histoire, de géologie, de zoologie et le Musée monétaire de Lausanne s’unissent autour d’une grande exposition commune. Il aura fallu attendre 200 ans et le déménagement du Musée des beaux-arts pour que l’événement se produise. Célébrant le bicentenaire de la création du premier musée cantonal lausannois, l’idée de ce projet original est née pour rassembler les différentes collections et les faire dialoguer ensemble. Ces institutions regorgent en effet de trésors cachés dans leurs réserves, dont seulement 1 % est montré au public.
À la veille de son centenaire, le mouvement issu de la célèbre école fondée en 1919 par Walter Gropius investit le musée lausannois de design. Conçue par le Vitra Design Museum et revisitée par le Mudac, l’exposition présente un aperçu complet du mouvement avec des oeuvres emblématiques ainsi que des objets de design méconnus, en abordant différents domaines comme le design, l’architecture, l’art, le film et la photographie. L’intérêt de cette rétrospective se situe dans l’éclairage et la mise en perspective de ce « laboratoire de la modernité », comme a souvent été défini le Bauhaus, avec des projets de designers contemporains et des oeuvres réalisés spécifiquement pour l’exposition.
À l’occasion du centenaire de la naissance d’un des plus importants designers italiens du 20e siècle, la Triennale de Milan consacre jusqu’au 20 janvier une grande rétrospective à Achille Castiglioni. Mise en scène par Patricia Urquiola qui fut son élève au Politecnico de Milan, l’exposition analyse l’oeuvre du maestro à travers ses divers domaines d’activité, du design à l’architecture en passant par ses nombreuses scénographies. Beaucoup de best-sellers encore en production aujourd’hui continuent de nous livrer son regard atemporel et ironique sur le monde.
Le Musée de l’Élysée présente pour la première fois le travail de l’artiste chinois Liu Bolin. Surnommé « l’homme invisible », Liu Bolin est connu pour ses photos grand format où il se fond dans le contexte avec l’aide précieuse de ses peintres assistants. Chaque oeuvre interpelle le visiteur et l’invite à décrypter l’image en dépassant les apparences pour parvenir à décoder le contenu. À la frontière entre performance et photographie, ses travaux ont été exposés dans le monde entier. Une cinquantaine de tirages sont présentés pour la première fois dans un musée en Suisse.
Sensuels et parfois impertinents, les travaux de la photographe sont une fenêtre ouverte sur un monde opulent et mondain, où l’accent est mis sur la chair, sa texture, les couleurs et les tissus. L’exposition, qui réunit ses séries les plus importantes, dévoile un univers qui allie drame, émotion et humour. Los Angeles, identifiable à son ciel bleu, sert à la fois d’inspiration et de toile de fond à ses compositions. Ses mises en scène, qu’elles soient photographiées ou filmées, frappent par le soin méticuleux avec lesquelles elles sont réalisées.
Intitulée « Social Design », cette exposition touche à des thématiques très actuelles en montrant des projets de création collaborative au service de la société. Le design social s’attache à résoudre les inégalités, le problème des ressources, des moyens de production et mise sur un échange égalitaire entre l’individu, la société civile, l’État et l’économie. C’est dans ce contexte que les architectes, les designers et les ingénieurs sont amenés à apporter des solutions. Avec l’engagement social préconisé par le Bauhaus il y a bientôt un siècle.
Défendant et revendiquant sa transversalité hétéroclite, la Brafa raconte l’histoire de l’art de l’archéologie à nos jours, en traversant époques, styles et continents pour rendre hommage à la création artistique sous toutes ses formes, comme un grand musée éphémère. En janvier prochain, dans les monumentales halles de Tour&Taxis, des pièces rares et précieuses attendent un public réputé connaisseur. Succédant à Christo, l’invité d’honneur 2019 est le duo britannique Gilbert & George qui présentera cinq oeuvres récentes de grand format installées en divers endroits de la foire. Des photomontages aux couleurs vives dans la plupart desquelles Gilbert Prousch et George Passmore, impassibles, se mettent en scène dans leur inséparable costume d’homme d’affaires, étriqué et triste, devenu l’uniforme indissociable des deux artistes.
L’exposition revient sur un mouvement revendiquant la décoration comme véritable refoulé de la modernité. Intitulé « Pattern & Decoration », ce mouvement connut un succès international dans les années 1980, puis fit récession dans les décennies suivantes. En faisant référence à l’ornementation utilisée pour des papiers peints ou des étoffes imprimées, en s’inspirant aussi bien de l’art décoratif islamique que des mosaïques byzantines et mexicaines, des broderies turques et de la gravure japonaise, des tapis indiens et des miniatures iraniennes, ces artistes ouvrent le champ de l’art de leur temps.
Bien que considéré comme l’un des architectes et designers les plus influents du 20e siècle, Gio Ponti reste peu connu du grand public, en particulier hors de l’Italie. La première rétrospective en France consacrée au créateur permet de revenir aux sources de la modernité, sur les traces d’un passé qui se révèle très contemporain malgré son ancrage historique. Et qui confirme le statut de Gio Ponti en tant que pionnier de la culture moderne ayant ouvert les perspectives d’un nouvel art de vivre.
Au travers d’une sélection de plus de 250 dessins et estampes du 17e siècle à aujourd’hui, cette exposition entend porter un regard nouveau sur deux genres souvent perçus comme opposés. Nombreux sont pourtant les artistes, d’époques et d’origines diverses, ayant apprécié et pratiqué les deux, publiquement ou secrètement. Callot, Corot, Dix, Giacometti, Goya, Klee, Kokoschka, Kollwitz, Rembrandt, Sempé, Steinlen, Vallotton ou encore Ungerer, y traduisent, chacun à leur manière, leur vision du monde, soumettant alors la réalité à l’épreuve du dessin.
Première grande rétrospective consacrée à Victor J. Papanek (1923-1998), designer, auteur et militant. Dès les années 1960, Papanek a été l’un des précurseurs essentiels d’une approche du design à l’orientation sociale et écologique. Son oeuvre majeure « Design for the Real World » (1971) est aujourd’hui encore l’ouvrage sur le design le plus lu. L’exposition comporte quatre parties qui présentent en détail la vie et l’oeuvre du designer. Autour de la personne de Papanek se dessine un thème plus large, à savoir l’utilisation du design comme outil politique.
Selon le contexte, les déchets peuvent aussi bien devenir une ressource prometteuse que des résidus ingérables. Pour illustrer cette problématique, l’exposition suit le cycle de vie d’un smartphone et de ses composants, de leur expédition à leur recyclage. Un parcours qui nous conduit des laboratoires de recherche aux sites d’enfouissement en passant par les ateliers de réparation. Un exemple typique d’une technologie du quotidien qui permet de questionner les pistes d’action possibles à l’ère des déchets électroniques.
Cette exposition s’attaque à un des problèmes les plus pressants du 21e siècle : l’avenir de la nutrition humaine. Allons-nous pouvoir continuer à manger de la viande, cultiverons-nous des légumes en vase clos ou nous régalerons-nous de protéines d’algues et de vers de farine ? De nos jours, il est urgent de repenser nos méthodes de production, de conditionnement, de distribution, de consommation… De nouveaux modèles de pensée et de comportement font leur chemin. Des designers de tous pays travaillent à l’élaboration de meilleures pratiques et imaginent des projets illustrant les nombreux scénarios possibles.
L’exposition « Uniques. Cahiers écrits, dessinés, inimprimés » organisée en partenariat avec le MAMCO Genève rassemble des cahiers et des carnets d’artistes, d’écrivains, de philosophes qui n’ont jamais été imprimés tels quels et qui sont suffisamment travaillés, écrits, dessinés et peints, voire composés, pour constituer des oeuvres à part entière et à exemplaires uniques. Le principe qui guide cette réunion de manuscrits est plastique et non chronologique : ce sont des parentés graphiques, des consonances visuelles qui légitiment des rapprochements entre les carnets.
