Le salon est un des rendez-vous internationaux majeurs de l’aménagement intérieur. C’est un concentré du savoir-faire de l’ameublement, des innovations et des tendances de la décoration intérieure. Chaque année, y est présentée une vision différente et très personnelle de l’habitat contemporain, créée par de jeunes designers du monde entier. Das Haus – Interiors on Stage est construit sur une superficie d’environ 180 m2 et entièrement meublé conformément aux plans des concepteurs. C’est au studio australien Truly Truly qu’en a été confiée la réalisation pour l’édition 2019.
Foire d’art moderne et contemporain regroupant des galeries britanniques et internationales de premier plan. Le salon comprend également une exposition de photographies, une section de jeunes galeries et offre un vaste programme de conférences, tables rondes et performances artistiques. Pour l’édition 2019, la foire s’est associée à la Towner Art Gallery d’Eastbourne pour présenter The Living Collection, une exposition qui célèbre le riche patrimoine de la galerie en matière de collection, exposition et promotion de l’art depuis près d’un siècle.
À l’occasion du centenaire de la naissance d’un des plus importants designers italiens du 20e siècle, la Triennale de Milan consacre jusqu’au 20 janvier une grande rétrospective à Achille Castiglioni. Mise en scène par Patricia Urquiola qui fut son élève au Politecnico de Milan, l’exposition analyse l’oeuvre du maestro à travers ses divers domaines d’activité, du design à l’architecture en passant par ses nombreuses scénographies. Beaucoup de best-sellers encore en production aujourd’hui continuent de nous livrer son regard atemporel et ironique sur le monde.
Le rendez-vous parisien réservé aux professionnels présente une vaste offre déco adaptée à tous les styles. On y trouve du mobilier singulier qui va du design audacieux aux manufactures d’excellence ainsi qu’un incroyable panel de luminaires, d’accessoires décoratifs, d’arts de la table et de tapis. Les exposants sont répartis par secteurs en fonction du style et de la famille de produits (« Maison » ou « Objet »). Les expositions sur un thème d’inspiration du moment, un designer de l’année et des jeunes talents à découvrir permettent aux professionnels de mieux s’ancrer dans l’air du temps. Les nombreuses conférences et les parcours didactiques vont également dans ce sens.
Le Musée de l’Élysée présente pour la première fois le travail de l’artiste chinois Liu Bolin. Surnommé « l’homme invisible », Liu Bolin est connu pour ses photos grand format où il se fond dans le contexte avec l’aide précieuse de ses peintres assistants. Chaque oeuvre interpelle le visiteur et l’invite à décrypter l’image en dépassant les apparences pour parvenir à décoder le contenu. À la frontière entre performance et photographie, ses travaux ont été exposés dans le monde entier. Une cinquantaine de tirages sont présentés pour la première fois dans un musée en Suisse.
Sensuels et parfois impertinents, les travaux de la photographe sont une fenêtre ouverte sur un monde opulent et mondain, où l’accent est mis sur la chair, sa texture, les couleurs et les tissus. L’exposition, qui réunit ses séries les plus importantes, dévoile un univers qui allie drame, émotion et humour. Los Angeles, identifiable à son ciel bleu, sert à la fois d’inspiration et de toile de fond à ses compositions. Ses mises en scène, qu’elles soient photographiées ou filmées, frappent par le soin méticuleux avec lesquelles elles sont réalisées.
Intitulée « Social Design », cette exposition touche à des thématiques très actuelles en montrant des projets de création collaborative au service de la société. Le design social s’attache à résoudre les inégalités, le problème des ressources, des moyens de production et mise sur un échange égalitaire entre l’individu, la société civile, l’État et l’économie. C’est dans ce contexte que les architectes, les designers et les ingénieurs sont amenés à apporter des solutions. Avec l’engagement social préconisé par le Bauhaus il y a bientôt un siècle.
Défendant et revendiquant sa transversalité hétéroclite, la Brafa raconte l’histoire de l’art de l’archéologie à nos jours, en traversant époques, styles et continents pour rendre hommage à la création artistique sous toutes ses formes, comme un grand musée éphémère. En janvier prochain, dans les monumentales halles de Tour&Taxis, des pièces rares et précieuses attendent un public réputé connaisseur. Succédant à Christo, l’invité d’honneur 2019 est le duo britannique Gilbert & George qui présentera cinq oeuvres récentes de grand format installées en divers endroits de la foire. 133 galeries internationales participeront à cette 64e édition.
L’exposition revient sur un mouvement revendiquant la décoration comme véritable refoulé de la modernité. Intitulé « Pattern & Decoration », ce mouvement connut un succès international dans les années 1980, puis fit récession dans les décennies suivantes. En faisant référence à l’ornementation utilisée pour des papiers peints ou des étoffes imprimées, en s’inspirant aussi bien de l’art décoratif islamique que des mosaïques byzantines et mexicaines, des broderies turques et de la gravure japonaise, des tapis indiens et des miniatures iraniennes, ces artistes ouvrent le champ de l’art de leur temps.
Défendant et revendiquant sa transversalité hétéroclite, la Brafa raconte l’histoire de l’art de l’archéologie à nos jours, en traversant époques, styles et continents pour rendre hommage à la création artistique sous toutes ses formes, comme un grand musée éphémère. En janvier prochain, dans les monumentales halles de Tour&Taxis, des pièces rares et précieuses attendent un public réputé connaisseur. Succédant à Christo, l’invité d’honneur 2019 est le duo britannique Gilbert & George qui présentera cinq oeuvres récentes de grand format installées en divers endroits de la foire. Des photomontages aux couleurs vives dans la plupart desquelles Gilbert Prousch et George Passmore, impassibles, se mettent en scène dans leur inséparable costume d’homme d’affaires, étriqué et triste, devenu l’uniforme indissociable des deux artistes.
C’est le plus grand salon helvétique réservé aux professionnels de la décoration d’intérieur. Les visiteurs peuvent y découvrir meubles, literie, linge de maison, accessoires d’intérieur et revêtements de sol, et nouer des contacts avec les nombreux exposants venus présenter leurs nouveautés. C’est une plateforme incontournable pour l’échange d’informations, la présentation de produits et l’acquisition de nouveaux clients. Son grand avantage est le contact direct entre les exposants et les acheteurs potentiels.
C’est la plus importante exposition de mobilier et luminaires scandinaves. Y sont présentées les dernières innovations en matière de design d’intérieur et d’éclairage pour l’habitat et les espaces publics. Invités d’honneur de cette édition, Lyndon Neri et Rossana Hu, fondateurs de l’agence Neri&Hu, ont été mandatés pour réaliser une installation dans le hall d’entrée. Autre temps fort du salon, l’exposition « Temperament », mise en scène par Sahara Widoff, vise à prendre la température du design scandinave contemporain et de l’architecture d’intérieur.
Tous les deux ans, la plateforme réunit sous un même toit des exposants actifs dans le large domaine du bois de toute la Suisse. Elle offre sur plus de 5000 m2 tout ce dont a besoin ceux qui souhaitent construire, transformer, rénover leur maison, ainsi que l’équipement complet des menuisiers, charpentiers et ébénistes. Des séminaires et conférences sont proposés en marge de l’exposition. Certaines entreprises, organisations ou fédérations professionnelles de la filière profitent de l’événement pour planifier leurs assemblées générales ou autres rencontres.
Le prochain salon Ambiente, consacré à la décoration d’intérieur et à tout ce qui touche au domaine de l’art de vivre et du cadeau, se déroulera du 8 au 12 février 2019 à Francfort. Il se déploiera en trois secteurs distincts, Dining, Living et Giving, qui mettront en exergue les nouvelles tendances et les univers thématiques définis par le bureau de style Stilbüro. Au fil des halles, ce sont des milliers de produits qui s’exposent à la convoitise du visiteur et dont un nombre de plus en plus important est destiné au secteur de l’hôtellerie, de la restauration et des collectivités. Un programme de conférences apportera de riches éclairages, et les espaces Talent et Next présenteront comme à l’accoutumée les créations et propositions de jeunes designers.
Au travers d’une sélection de plus de 250 dessins et estampes du 17e siècle à aujourd’hui, cette exposition entend porter un regard nouveau sur deux genres souvent perçus comme opposés. Nombreux sont pourtant les artistes, d’époques et d’origines diverses, ayant apprécié et pratiqué les deux, publiquement ou secrètement. Callot, Corot, Dix, Giacometti, Goya, Klee, Kokoschka, Kollwitz, Rembrandt, Sempé, Steinlen, Vallotton ou encore Ungerer, y traduisent, chacun à leur manière, leur vision du monde, soumettant alors la réalité à l’épreuve du dessin.
Consacré à la rénovation et à la décoration, le salon Diablerets Art de Vivre Alpin (Diava) se tiendra pour la deuxième fois cette année. Organisé à la fin des relâches genevoises et au début des relâches vaudoises, il s’adresse aussi bien aux propriétaires de résidences secondaires dans la vallée qu’à tous les habitants désirant rénover ou entretenir leurs biens immobiliers. Cette manifestation “après-ski” idéale se déroulera dans une ambiance conviviale et décontractée. Vingt-cinq exposants y présenteront leur savoir-faire. Si la majorité d’entre eux sont membres du Groupement d’Ormont-Dessus, d’autres commerces du village ou de la région seront également présents.
Première grande rétrospective consacrée à Victor J. Papanek (1923-1998), designer, auteur et militant. Dès les années 1960, Papanek a été l’un des précurseurs essentiels d’une approche du design à l’orientation sociale et écologique. Son oeuvre majeure « Design for the Real World » (1971) est aujourd’hui encore l’ouvrage sur le design le plus lu. L’exposition comporte quatre parties qui présentent en détail la vie et l’oeuvre du designer. Autour de la personne de Papanek se dessine un thème plus large, à savoir l’utilisation du design comme outil politique.
Selon le contexte, les déchets peuvent aussi bien devenir une ressource prometteuse que des résidus ingérables. Pour illustrer cette problématique, l’exposition suit le cycle de vie d’un smartphone et de ses composants, de leur expédition à leur recyclage. Un parcours qui nous conduit des laboratoires de recherche aux sites d’enfouissement en passant par les ateliers de réparation. Un exemple typique d’une technologie du quotidien qui permet de questionner les pistes d’action possibles à l’ère des déchets électroniques.
Cette exposition s’attaque à un des problèmes les plus pressants du 21e siècle : l’avenir de la nutrition humaine. Allons-nous pouvoir continuer à manger de la viande, cultiverons-nous des légumes en vase clos ou nous régalerons-nous de protéines d’algues et de vers de farine ? De nos jours, il est urgent de repenser nos méthodes de production, de conditionnement, de distribution, de consommation… De nouveaux modèles de pensée et de comportement font leur chemin. Des designers de tous pays travaillent à l’élaboration de meilleures pratiques et imaginent des projets illustrant les nombreux scénarios possibles.
Bien que considéré comme l’un des architectes et designers les plus influents du 20e siècle, Gio Ponti reste peu connu du grand public, en particulier hors de l’Italie. La première rétrospective en France consacrée au créateur permet de revenir aux sources de la modernité, sur les traces d’un passé qui se révèle très contemporain malgré son ancrage historique. Et qui confirme le statut de Gio Ponti en tant que pionnier de la culture moderne ayant ouvert les perspectives d’un nouvel art de vivre.
L’exposition « Uniques. Cahiers écrits, dessinés, inimprimés » organisée en partenariat avec le MAMCO Genève rassemble des cahiers et des carnets d’artistes, d’écrivains, de philosophes qui n’ont jamais été imprimés tels quels et qui sont suffisamment travaillés, écrits, dessinés et peints, voire composés, pour constituer des oeuvres à part entière et à exemplaires uniques. Le principe qui guide cette réunion de manuscrits est plastique et non chronologique : ce sont des parentés graphiques, des consonances visuelles qui légitiment des rapprochements entre les carnets.
